Casi todos los fotógrafos aficionados, tarde o temprano, comienzan a comparar los frutos de su trabajo con fotografías de otros autores. En este caso, inevitablemente necesita una evaluación cualitativa.
Está claro que ninguno de nosotros puede evaluar de manera objetiva nuestro trabajo, al principio recurrimos a la ayuda de familiares, amigos, conocidos, y luego a menudo se da el siguiente paso: registrar y publicar nuestras fotos en algún recurso fotográfico en la Web. Y entonces comienza!
Todos ansiamos altas calificaciones por nuestro trabajo, especialmente si la imagen es realmente el fruto de alguna acción deliberada, y no una presión irreflexiva del botón del obturador. Y aquí el fotógrafo puede esperar tanto el éxito como la completa decepción: una obra maestra que al autor le pareció impecable puede no despertar ninguna admiración entre el público más respetable. Surge un pensamiento completamente natural: "¿Soy realmente malo disparando?" ¿Quién tiene la culpa y qué hacer en tal situación? Vamos a resolverlo.
Para empezar, me permitiré una pequeña digresión lírica. La misma palabra "fotografía", que nos llegó del idioma griego, significa literalmente "pintar con luz". Por lo tanto, cada uno de nosotros que recoge una cámara se convierte en parte en un artista, un creador. Pero en nuestras manos no tenemos pinceles y pinturas, sino algún dispositivo técnicamente complejo que arregla el mundo que nos rodea. ¿Cómo aprendes a "pintar con luz" para que sea realmente interesante y hermoso?
Es imposible dar una respuesta inequívoca, solo puede señalar los conceptos erróneos más comunes. En fotografía, por ejemplo, conceptos tan diferentes como tecnología y arte están muy estrechamente entrelazados. Esto siempre debe ser recordado.
Hasta hace relativamente poco, el equipo técnico del fotógrafo era bastante estándar: una cámara de película mecánica, prácticamente sin controles de exposición automáticos, tres a cinco lentes intercambiables, un trípode, quizás varios filtros. Pero el rápido desarrollo de la electrónica condujo al final de la era de los "dinosaurios" mecánicos (por cierto, a menudo magníficos "dinosaurios").
Primero, aparecieron en el mercado cámaras SLR semiautomáticas y luego totalmente automáticas, los fabricantes han ampliado significativamente la gama de accesorios y lentes disponibles.
Docenas de cámaras y lentes intercambiables están disponibles para el fotógrafo aficionado moderno, a menudo muy caro. Pero es poco probable que el deseo de compensar la falta de experiencia y habilidades con tecnología automática costosa e inteligente conduzca a un resultado positivo. Las automáticas inevitablemente cometerán errores: no saben qué y cómo quiere fotografiar el fotógrafo.
Todo esto nos impulsa a percibir la fotografía como un proceso artístico. Ser fotógrafo no es más fácil que ser artista. Sí, un fotógrafo no necesita poder dibujar, pero un artista puede excluir detalles y objetos innecesarios de un dibujo. Y cualquier cámara ve absolutamente todo lo que está frente a ella. Y una foto exitosa, a primera vista, puede tener un pequeño defecto, que inmediatamente llama la atención de un espectador externo. Es por eso que existen reglas para construir una composición artística de un marco, todo tipo de técnicas, trucos fotográficos y mucho más. Quizás sea inapropiado describirlos en el marco de este artículo, hay una gran cantidad de libros y manuales donde todas estas técnicas se describen en detalle.
Detengámonos en los criterios para evaluar fotografías. La pregunta surge de inmediato, ¿dónde está el estándar de evaluación? ¿Cómo se pueden comparar dos fotos? ¿Nitidez? ¿Abigarrado? ¿Saturación? Esto es simplemente absurdo. Tal vez por los nombres de los autores? Este criterio puede no tener ningún peso en absoluto. Por ejemplo, ¿quieres una exposición individual? ¡De nada! Pague el alquiler de la galería incluso durante todo el año, y toda la ciudad lo conocerá. Pero tan pronto como otros vengan a su lugar, con una billetera más gruesa, serán recordados, no usted. Y esta es la verdad casera de la vida.
Es posible destacar criterios generalmente aceptados: como originalidad, composición, iluminación, etc. El problema es que se nos presenta un enfoque analítico de cualquier obra de arte en la escuela, y esto puede interferir en el caso en que el trabajo necesita ser sentido y no analizado. Por ejemplo, intente comparar las pinturas de Salvador Dali y Aivazovsky. La analítica no tiene poder aquí.
Cualquier imagen visual, incluida una fotografía, evoca cualquier emoción en una persona, y la evaluación de las fotografías puede reducirse precisamente a la evaluación de valores intangibles, y una comparación de un negocio tan desesperado. No hay fotografías "malas" o "buenas", así como tampoco hay arte malo o bueno. Cada uno de nosotros ve y percibe el mundo que nos rodea a su manera, este es todo el problema. Entonces, si a alguien no le gustan tus fotos, no está tan mal. Considérelo como otra razón para tomar la fotografía aún más en serio.
Chris Prana es un reconocido fotografo de interiores Barcelona y fotografo de interiorismo especializado en crear imágenes de espacios y arquitectura, trabaja para diseñadores, decoradores e interioristas, arquitectos, hoteles, inmobiliarias y empresas que deseen mostrar sus instalaciones.
La fotografía de interiorismo y arquitectura requiere de una técnica muy depurada, donde el encuadre, las luces y la postproducción final deben dar el resultado de unas imágenes armoniosas que cumplan con el propósito inicial del cliente.
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